Redécouvrir Urnos et son mythe fondateur 

13 décembre 2016, 17h à 19h
Centre de musique canadienne au Québec
1085, Côte du Beaver Hall, suite 200
Paul Bazin, musicologue 
Michel Rochon, vulgarisateur scientifique
André Hamel, compositeur
Entrée libre, contribution volontaire

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La SQRM est heureuse de prendre part au lancement du disque Les musiques d’Urnos du compositeur montréalais André Hamel (CQB 1720) en présentant une discussion du musicologue Paul Bazin, qui sera accompagné du compositeur ainsi que du vulgarisateur scientifique Michel Rochon. Au cours de cette présentation, la genèse et les mécanismes de cet opus majeur dans la production d’André Hamel seront abordés : quelques notions archéologiques et anthropologiques seront vulgarisées par Michel Rochon, de manière à faire la lumière sur les origines de cette musique, alors que Paul Bazin abordera la réception de l’oeuvre. Une courte table ronde impliquant le compositeur viendra compléter la présentation. Un vin d’honneur sera servi.

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L’esprit du corps : musique et sport à Paris dans les années 1920

Mercredi 7 décembre 2016, 16h30
Auditorium Serge-Garant, École de Musique,
Université de Sherbrooke (C3-2005)

Entrée libre


Logo musique et sportExiste-t-il un rapport entre le sport et la musique? Le sport pourrait-il inspirer des compositions musicales? Dans quels cas pourrait-on parler de « musique sportive »? Dans les années 1920, lorsque la présence du sport dans la société française prend une dimension jamais atteinte auparavant, ces questions ont suscité un riche débat dans les revues musicales françaises. L’étude d’une question à l’apparence futile comme celle des rapports entre la musique et le sport se révèle pourtant incontournable pour une histoire de l’esthétique musicale en France : premièrement, elle touche à la question de la considération du rôle du corps dans la perception et dans la création musicales; deuxièmement, elle permet de contextualiser la parution presque sans antécédents d’un certain nombre de pièces musicales ouvertement « sportives » ­– comme Rugby (1928) d’Artur Honegger, Half-Time (1924) de Bohuslav Martin?, Pour un entraînement de boxe (1922) et Sonatine sportive (1939) d’Alexandre Tchérepnine – dans un milieu culturel qui voyait dans le sport une des facettes de la modernité, avec le machinisme et le jazz.


Conférence présentée par Federico Lazzaro, musicologue

Après une thèse sur le concept de « renouveau » chez Jolivet et Messiaen dans les années 1930 (Università di Pavia, 2011), Federico Lazzaro a obtenu un second doctorat en musicologie portant sur l’« École de Paris » (Université de Montréal, 2015). Il est stagiaire postdoctoral à la McGill University (bourse OICRM) et coordonne le projet de recherche Esthétique musicale en France, 1900-1950 dirigé par Michel Duchesneau. Il est membre de la rédaction des Cahiers de la SQRM et de Gli spazi della musica. En plus de ses travaux sur la musique en France dans la première moitié du XXe siècle, ses publications ont porté sur Monteverdi, Gesualdo, Rossini et Rota.


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Vidéomusique avec Herman Kolgen

Conférence présentée par Herman Kolgen,
dans le cadre du concert fréQuenCes/vidéomusique d’Erreur de type 27 (E27)
24 novembre 2016, 15h à 17h
Salle multi, Méduse
650, Côte d’Abraham, Québec
Entrée libre

En marge du concert fréQuenCes/vidéomusique (25 novembre à la salle multi), Erreur de type 27 (E27) est fier de recevoir l’artiste Herman Kolgen pour une présentation de son travail unique dans le cadre d’une conférence le 24 novembre 2016 à 15h à la salle multi. Lors de la conférence, M. Kolgen traitera de vidéomusique, une forme hybride combinant la composition simultanée de musique électroacoustique et de l’image, présentée sur des écrans immenses et grâce à des systèmes de son de fine pointe. La présentation sera appuyée par des extraits du travail de l’artiste.

15e Èdition Festival Mutek 2014


Artiste multidisciplinaire reconnu depuis plus de vingt ans pour ses créations en arts médiatiques, Herman Kolgen vit et travaille à Montréal. Véritable sculpteur audiocinétique, il tire son matériau premier de la relation intime entre le son et l’image. Kolgen travaille à créer des objets qui prennent la forme d’installations, d’oeuvres vidéos et filmiques, de performances et de sculptures sonores. En exploration constante, il travaille à la croisée de différents médias, élaborant ainsi un nouveau langage technique et une esthétique singulière.

L’impact du territoire sur les humains est au centre même de ses préoccupations. Les tensions brutes qui en résultent de même que l’interaction des éléments entre eux constituent l’épicentre de sa démarche. Son travail protéiforme est, entre autres, caractérisé par une approche radiographique. C’est l’effet rayon-x, dans sa qualité d’immatérialité, qui permet alors de donner à voir l’invisible.

Combinée, associée au numérique et à l’électronique à travers un travail d’une extrême sensibilité, son approche est alors détournée vers des formes hybrides. Sa pratique de l’installation intègre également un important travail de spatialisation, notamment au niveau sonore. La conception et l’utilisation de systèmes aléatoires d’auto-génération du son et de l’image permet ainsi de créer des espaces sonores particularisés par leur qualité immersive.

Les oeuvres de Herman Kolgen ont été présentés entre autres à la Biennale de Venise, Ars Electronica, la Transmediale de Berlin, Isea, au Centre Georges Pompidou, Sonic-acts, London BFI, Dissonanze, Mutek, Elektra, Sonar, Tapei Digital Arts, Shanghai e-arts. Il a également performé avec l’Ensemble Intercontemporain de Paris et la Philharmonique de Los Angeles. Herman Kolgen est récipiendaire de plusieurs prix prestigieux dont Ars Electronica, Qwartz, Best Experimental Film Award du Independant Film Festival de New York et Los Angeles. De 1996 à 2008, il consacre la majeure partie de son temps au Duo Skoltz-Kolgen.

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Women and the “Golden Age” of Jazz in Montreal (1925-1955)

22 novembre 2016, 17h35
Local MB-8.265, Pavillon John Molson
Université Concordia
1450, rue Guy
Entrée libre

Conférence lauréate du Prix du jury et du Prix du public lors de l’édition 2015-2016 du concours de conférences de la SQRM

Présentée en anglais


screen-shot-2016-11-09-at-8-13-11-pmThis presentation discusses the role that women played during the “golden age” of jazz in Montreal, as well as the gendered historiography of Montreal jazz. Against  current histories that describe Montreal jazz as a genealogical tree of instrumental soloists (positions which, in Montreal as elsewhere, have been most commonly occupied by men), in the first half of the century Montreal was above all a “showtown:” There was the jazz that people watched (on the variety stage, which included a lot of theatrical dance by exotic dancers) and the jazz that people danced to (social dance). As such, women’s bodies, in particular questions of morality (eroticism, sexuality, marriageability) and issues of nationalism (miscegenation fears, specifically the way French Canadian women’s reproductive role was seen as one of the the main arenas where Quebec’s struggle to maintain itself as a distinct cultural entity in North America was to be played) were intricately linked to the articulation of jazz as a musical genre. This presentation will provide an overview of important Montreal-based jazzwomen (dancers, singers, instrumentalists, teachers) and will demonstrate their centrality to the development of a scene for jazz in La Belle Province.


kap_2815Vanessa Blais-Tremblay est violoniste professionnelle et candidate au doctorat en Musicologie et en Études des Femmes à l’Université McGill. Elle s’intéresse principalement aux questions de genre et d’identité dans la musique canadienne des vingtième et vingt-et-unième siècles. Vanessa a présenté ses travaux dans de nombreuses conférences, entre autres, aux réunions de la American Musicological Society en 2013 et en 2016, ainsi qu’à la Conférence Internationale des Recherches Féministes dans la Francophonie en 2015. Elle a remporté plusieurs prix pour ses travaux de recherche, notamment le prestigieux prix SOCAN en Recherche sur la Musique Canadienne décerné par la Société de Musique des Universités Canadiennes en 2014, ainsi qu’un prix d’excellence de l’Institut en Études Féministes de l’Université McGill en 2015. Elle a aussi été invitée à contribuer un chapitre sur l’érotisme dans la musique vocale de la Renaissance italienne dans la collection Eroticism in Early Modern Music, publiée chez Ashgate. Cette présentation est issue de son projet de thèse, qui est soutenu par une bourse doctorale Joseph Armand Bombardier du CRSH.

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Dialogues

Animés par Paul Bazin, ces dialogues prennent la forme de tables rondes permettant aux compositeurs du Forum du NEM de prendre la parole et d’aborder différents aspects de leur démarche créatrice, de même que de se prononcer sur la question centrale du Forum, soit la relation du compositeur à son public.

Une petite réception aura lieu sur place… venez discuter avec nous!

16 novembre 2016, 18h à 20h 
Compositeurs présents : William Kuo (Canada), Zachary Sheets (États-Unis), Sky Macklay (États-Unis) et Alican Camci (Turquie)

18 novembre 2016, 18h à 20h
Compositeurs présents : Stefan Maier (Canada), Quentin Lauvray (France), Daniel Miller (États-Unis) et Sebastian Dumitrescu (Roumanie)

Centre de musique canadienne au Québec
1085, Côte du Beaver Hall, suite 200
Entrée libre

 

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Tête-à-tête

Le musicologue Paul Bazin s’entretient avec les compositeurs du Forum du NEM au sujet de leur travail de composition… venez découvrir l’univers de ces huit compositeurs!

Cafétéria de la Faculté de musique de l’Université de Montréal
200, avenue Vincent-d’Indy

Jeudi 3 novembre 2016
12 h 30 à 13 h William Kuo
13 h à 13 h 30 Daniel J. Miller

Vendredi 4 novembre 2016
12 h 30 à 13 h Alican Camci
13 h à 13 h 30 Sebastian Dumitrescu

Mardi 8 novembre 2016
12 h 30 à 13 h Stefan Maier
13 h à 13 h 30 Zachary Sheets

Mercredi 9 novembre 2016
12 h 30 à 13 h Quentin Lauvray
13 h à 13 h 30 Sky Macklay

 

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Serge Garant et le genre mélodique : stylistique d’une première maturité

Mercredi 2 novembre 2016, 19h
Centre de musique canadienne au Québec
Entrée libre


Entre 1951 et 1956, Serge Garant (1929-1986) a composé treize pièces pour voix et piano, et à une exception près, ces titres constituent l’entièreté de sa production dans le genre mélodique.[1] Son recours récurrent au texte pourrait s’expliquer par le fait qu’au cours de ces années charnières, il aurait notamment été à la recherche de cadres structurels à l’intérieur desquels développer un langage personnel.

La littérature consacrée à Garant fait correspondre le début de sa maturité à l’écriture des Caprices (1954) [2], sa « première œuvre sérielle »[3], et ces écrits contribuent à renforcer l’idée voulant que le style[4] de Garant soit caractérisé par son emploi du sérialisme. Cette communication démontrera pour sa part que certains traits stylistiques des Caprices se rencontrent en fait dans des mélodies composées dès 1951, certaines étant sérielles, d’autres simplement atonales. Au cours de la présentation, les analyses de quatre mélodies représentatives dégageront les approches compositionnelles communes aux deux idiomes, et illustreront qu’en dépit du langage, les manipulations pratiquées sur différents paramètres demeurent essentiellement similaires. Grâce à ces analyses, on constatera que dès 1951, Garant n’a travaillé qu’avec un nombre restreint de structures d’intervalles, et qu’un intérêt pour les formes combinant harmonie et vecteurs rythmiques s’est dégagé de plus en plus clairement de ses œuvres à partir de ce moment.

Puisque Garant a alterné entre sérialisme et atonalité libre plutôt que d’adhérer strictement à un seul langage, et compte tenu de la nature transversale des stratégies identifiées, il sera finalement possible de nuancer l’adéquation qu’on a par le passé cherché à établir entre sa maturité et son adhésion au sérialisme.

[1] Ces pièces sont les Trois tableaux sonores (1951), Concerts sur Terre I-II (1951), Et je prierai ta grâce (1952), Caprices (1954) et Concerts sur Terre III-V (1956). La mélodie Cage d’oiseau fut composée en 1962.

[2] Marie-Thérèse Lefebvre. Serge Garant et la révolution musicale au Québec. Montréal, Louise Courteau, 1986 ; Serge Provost, « L’œuvre de Serge Garant, ou la musique de la sensibilité secrète », Circuit, vol. 7, n° 2, « Serge Garant », 1996, p. 15-21.

[3] Lefebvre, 1986, p. 47.

[4] Je prends pour point de départ les théories sur le style développées par Leonard Meyer dans son ouvrage Style and Music : Theory, History, and Ideology, (Philadelphie, Presses de l’Université de Pennsylvanie, 1989).

Le texte de cette communication a obtenu le prix SOCAN/MusCan pour la recherche en musique canadienne (texte en français), décerné à l’occasion du congrès 2016 de la Société de musique des universités canadiennes.


Conférence présentée par Paul Bazin, doctorant en musicologie

P1020656Paul Bazin poursuit actuellement des études doctorales à l’Université McGill, où il consacre ses recherches à la musique microtonale du compositeur Bruce Mather et à l’héritage musical d’Ivan Wyschnegradsky. Il est détenteur d’un baccalauréat en chant classique de l’Université de Sherbrooke (2010) ainsi que d’une maîtrise en musicologie de l’Université de Montréal (2013), dans le cadre de laquelle il s’est consacré à l’analyse des mélodies de Serge Garant. Boursier de Bibliothèques et Archives nationales du Québec (BAnQ), de l’Observatoire interdisciplinaire de recherche et de création en musique (OICRM), de l’Université McGill et du Conseil de recherche en sciences humaines du Canada (CRSH), Paul Bazin a consacré divers textes (revues Circuit et Intersections) et conférences (OICRM, SQRM, SMUC) à la musique des compositeurs québécois de l’après-guerre, en plus de collaborations régulières avec le Centre de musique canadienne au Québec. Au printemps 2016, ses recherches sur Serge Garant lui ont aussi valu le Prix Fondation SOCAN/MusCan pour la recherche sur la musique canadienne. Outre ses activités musicologiques, Paul Bazin est chanteur au sein de l’Ensemble Kô, ensemble vocal montréalais avec lequel il a participé à l’enregistrement de deux albums consacrés aux musiques ancienne et contemporaine, ainsi qu’à la création mondiale de l’opéra The Trials of Patricia Isasa (2016) de la compositrice Kristin Norderval.


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La dernière œuvre de Rachmaninov

Avec Louis Brouillette, musicologue
en partenariat avec l’OSS et Monty Sylvestre
5 novembre 2016, 19h
Foyer du Centre culturel de l’Université de Sherbrooke
Entrée libre pour les détenteurs de billets du concert Rachmaninov


skeletons-303877_960_720Le 28 mars 1943, Rachmaninov meurt à Beverly Hills à la suite d’un cancer des poumons. Il avait 69 ans. Sa dernière composition, Danses symphoniques (1940), pourrait être définie en tant que testament. Il y utilise abondamment le début du Dies irae de l’office des morts et il écrit à la fin de la partition « Je vous remercie, Seigneur ». Au fait, quels éléments définissent réellement le style musical de Rachmaninov, et en particulier sa dernière œuvre ?


Louis_Brouillette,_photographieLouis Brouillette est titulaire d’un doctorat en musicologie de l’Université de Montréal. Ses recherches ont été publiées dans plusieurs revues nationales et internationales, dont Fontes Artis Musicae, la Revue musicale OICRM, Tréma, la Revue de Bibliothèque et Archives nationales du Québec et Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique, et il a prononcé des conférences au Canada, aux États-Unis, au Royaume-Uni, en France, en Belgique et en Pologne. Membre associé de l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique, il est également un membre actif de la Société québécoise de recherche en musique. En plus de sa carrière en musicologie, il mène des recherches dans le domaine de l’éducation. En tant qu’organiste professionnel, il se produit régulièrement un peu partout au Québec en solo et avec divers ensembles.


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Du studio d’enregistrement comme laboratoire expérimental à la réalité virtuelle et l’ethnographie « immersive » : quel(s) futur(s) pour l’ethnomusicologie?

Conférence de Ons Barnat
29 septembre 2016, 19h
Local F-3560, Département de musique de l’UQAM
1440, rue St-Denis
Entrée libre


barnat_terrain_3Enregistrer sa musique est aujourd’hui devenu, grâce à la miniaturisation et la diffusion de matériel d’enregistrement (ordinateurs portables, enregistreurs numériques…), un phénomène social qui s’est répandu aux quatre coins de la planète – et la recherche sur les nouvelles pratiques en studio apparaît de ce fait comme un champ émergeant en ethnomusicologie (Meintjes 2003; Greene 2005; Moehn 2005, 2012; Neuenfeldt 2005, 2007; Bates 2008, 2010; Bayley 2009 ; Scales 2012 ; Barnat 2013). À partir des conclusions tirées de notre thèse (consacrée à l’étude du phénomène de l’enregistrement en studio de la paranda garifuna en Amérique centrale), cette conférence présentera les avancées de notre projet de recherche postdoctorale, le Music Legacy Project. Ce projet novateur mêle ethnomusicologie patrimoniale et utilisation d’une technologie de collecte audiovisuelle à 360° destinée à la réalité virtuelle (visiocasques de type Oculus Rift, mais aussi tablettes interactives, sites internet à 360°, etc…).

En plongeant l’observateur au centre d’une expérience se voulant « immersive », cette technologie offre de nouvelles façons de penser la relation entre observant et observé. Que fait-on alors de la position du chercheur? De celle des musiciens? Comment mesurer les choix des artistes dans l’analyse des données? Comment gérer la mise en marché d’un tel contenu? Du côté de la recherche en ethnomusicologie, comment ce nouvel outil pourrait-il influencer notre façon de faire de l’ethnographie musicale? Pourrait-on parler d’ethnographie « immersive » et, si oui, quels en seraient les impacts?

Après un tour d’horizon des recherches sur la spatialisation sonore dans la réalité virtuelle – ce qui nous permettra d’estimer le rôle de l’enregistrement audionumérique dans la « restitution » en réalité virtuelle – cette conférence abordera certaines des problématiques méthodologiques, éthiques et épistémologiques soulevées par l’utilisation d’un tel dispositif, au demeurant expérimental.


barnat_photoTitulaire d’un doctorat en ethnomusicologie de l’Université de Montréal, consacré à l’étude du phénomène de l’enregistrement en studio d’un genre musical « traditionnel » centraméricain, Ons Barnat est chercheur postdoctoral au Laboratoire audionumérique de recherche et de création (LARC-OICRM), à l’Université Laval à Québec. Boursier Mitacs Élévation 2015-2017, il y développe, en partenariat avec l’entreprise montréalaise La Hacienda Creative, un projet novateur qui mêle collecte ethnomusicologique et réalité virtuelle, le Music Legacy Project, dans lequel il a recours à un dispositif mobile d’enregistrement multipiste à 360° pour réaliser ses dernières recherches.

Multi-instrumentiste d’origine danoise et tunisienne, compositeur-arrangeur et professeur de musique, il a d’abord été formé en France au Conservatoire (cor français, solfège et piano) et à l’Université (en musicologie puis en ethnomusicologie depuis 2001). Il a d’abord travaillé sur les métissages dans les musiques populaires créoles (Caraïbes et océan Indien, maîtrise de musique de l’Université de Paris VIII, 2005) avant de se tourner vers l’analyse des rapports entre interactions sociales, création musicale et maîtrise de la technologie dans le processus de réalisation discographique d’une « musique du monde » (Doctorat de l’Université de Montréal, 2013). Ses intérêts scientifiques touchent depuis à la recherche-création au sein du studio d’enregistrement, véritable laboratoire expérimental aussi bien pour le chercheur que pour le créateur. Récipiendaire d’une bourse postdoctorale Mitacs Élévation 2015-2017, il coordonne un ambitieux projet de Bibliothèque des Performances Musicales du Monde destinée à la réalité virtuelle (le Music Legacy Project, en partenariat avec l’entreprise de post-production audiovisuelle La Hacienda Creative).

 

 

 

 

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Lauréats des concours 2015-2016

La finale du concours de conférences de la SQRM a eu lieu le 29 mai dernier, à la Salle d’Auteuil du Gesù (Le Vivier). Les lauréats de tous les concours ont ensuite été dévoilés. Voici les résultats :

Concours de conférences
Le Prix du jury (500$) est décerné à l’unanimité à Vanessa Blais-Tremblay pour sa conférence Les femmes et l’âge d’or du jazz à Montréal.

Le Prix du public (200$) est partagé entre Vanessa Blais-Tremblay et Kristin Franseen, dont la conférence s’intitule “Temperaments Akin to His Own”: Sexuality as Subtext in Rosa Newmarch’s Tchaikovsky Project.

Concours d’article de vulgarisation de la recherche 
Kristin Franseen remporte ce concours, avec un article intitulé The Secret Life of Rosa Newmarch: Innuendo and Musical Biography, ca. 1900-1915. Elle remporte également une bourse de 300$ et une possibilité de publication dans la revue Musique et pédagogie de la FAMEQ.

Prix chercheur émergent
Ce prix est décerné à l’unanimité à Julie Pedneault-Deslauriers. Elle remporte une bourse de 300$.

Concours de rédaction de notes de programme
La SQRM a aussi tenu, plus tôt cette saison, la première édition de ce concours.
La lauréate est Justine Brasseur-Masse. Elle s’est mérité une bourse de 250$ et sa note a été publiée dans un programme professionnel de la Fondation Arte Musica (Salle Bourgie).

Prix collégien de musique contemporaine
La SQRM est partenaire de ce concours de composition à vocation pédagogique.
Le troisième prix, décerné par la SQRM et consistant en une bourse de 300$, est remis cette année au compositeur Simon Martin, pour sa pièce Musique d’art pour orchestre de chambre II.

Félicitations à tous les lauréats et merci aux membres des jurys pour leur expertise!

Tous ces concours seront reconduits en 2016-2017, à l’exception du
Prix chercheur émergent, dont la prochaine édition aura lieu en 2017-2018.
Les dates de dépôt des dossiers seront annoncées en septembre prochain. 

De gauche à droite : les membres du jury de la finale du concours de conférences (Marie-Noëlle Lavoie, Liselyn Adams, Georges Dimitrov), les finalistes du concours de conférences (Kristin Franseen, Vanessa Blais-Tremblay, Marie-Christine Parent) et la présidente de la SQRM (Isabelle Héroux).

 

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